En el recital ofrecido en el teatro Arriaga, la soprano Ainhoa Arteta quiso recordar a algunos compositores españoles vivos. La primera parte de su programa se basó en textos de Antonio Gala musicados por Antón García Abril. La soprano vasca inició así su concierto con tres canciones en las que demostró amplio fiato y gran lirismo. En aquellas correspondientes al ciudarealeño Lorenzo Palomo acudió a la lectura de las partituras y nos pareció que les faltó la concentración que mostró en las cantadas con anterioridad. Resultaron muy ricas para el acompañamiento pianístico y  complicadas para el canto, ya que la impresión es que eran más recitadas que cantadas. Las letras de las canciones de Lorenzo Palomo se basaron en el londinense William Blake, en el poeta francés Andrea Chenier y en el gaditano Carlos Murciano. Cambió el cariz musical y cambió la actitud del público cuando interpretó con gran sentimiento e inherente tristeza las letras de García Lorca, que llevaban la música del maestro Miquel Ortega, presente en la sala. Destacaríamos de entre ellas “Memento” la cual resultó impactante en la hermosa voz de la soprano. El peso de la velada recayó  sin embargo en la segunda mitad del recital. Al cantar el aria de la Mirentxu de Guridi,  estuvo muy afinada y la coronó con gran sostenimiento de la nota final. Ainhoa Arteta impactó luego con las arias veristas, con las que ella se identifica, con  heroínas como Tosca, Adriana Lecouvreur o Manon Lescaut . Moderación y elegancia en el “Visi D´Arte”, elegancia en ”Io sono l´umile Ancella”  y una expresividad y acción teatral envidiables en “Sola,Perduta,Abbandonata”. Fue entonces cuando contactó verdaderamente con el público, cuando su amplia y poderosa voz nos enseñó también la magnificencia de su versión de la romanza de “La del Manojo de Rosas” de Sorozábal. Citemos finalmente al excelente pianista que es Rubén Fenandez Aguirre y nos quedamos, no solo con la atención y delicadez de su acompañamiento, sino con  la emoción y belleza con la que tecleó la romanza de Jose Miguel en el compendio ofrecido del Caserío de Gurudi.  Sin duda segundas partes fueron mejores y  a pesar de la dedicación y el homenaje a  los músicos actuales en la primera mitad, el público disfrutó con la segunda, con la que se identifica más a esta gran artista.

De los cinco títulos operísticos que la bilbaína ABAO presenta a lo largo de la temporada que viene, nos llama la atención sobre todo tres de ellos. En primer lugar, el inicio de temporada con la famosa Lucia di Lamermoor de G.Donizetti en la que volveremos a escuchar a la soprano Jessica Prat con la que el día 20 de este mes de Marzo disfrutaremos en un recital al que la Asociación bilbaína ha denominado «Delirio». Todavía recordamos su delicado canto cuando interpretó La Sonambula de Bellini, por lo que las expectativas para escucharla en la escena de la locura de esta ópera son apasionantes. Serán sus partenaires, el tenor jerezano Ismael Jordi, al que se le ha escuchado varias veces en nuestros teatros y de quien guardamos en la memoria su delicioso aria «Kuda Kuda vi udalilis»de la ópera Eugene Oneguin de hace más de una década atrás. Completará el trío  el barítono onubense Juan Jesús Rodriguez, apropiada voz recia para el papel de Enrico Ashton.

En el primer mes del nuevo año de 2020 llegará Wagner, al que hace ya algún tiempo no se le representaba en Bilbao.  El músico alemán comparecerá con «El Holandés Errante», también conocida como «El Buque Fantasma» y es que el protagonismo recaerá en el Bajo-Barítono galés Bryn Terfel, un reconocido intérprete wagneriano y de ahí que sea un auténtico atractivo. El rol de Daland está aún por determinar y de la soprano sueca  Irene Theorin diremos que debuta en Bilbao y está considerada como una gran soprano dramática.

El tercer título a destacar es Anna Bolena de G,Donizetti, fijado para el mes de Mayo. No en vano figura en esta ópera el tenor canario Celso Albelo quien acompañará a la norteamericana Angela Meade, la soprano que no pudo venir a cantar Semiramide de Rossini en el mes de Febrero de este 2019. Presumimos una lid canora entre ambos de gran nivel.

El hecho de destacar las tres óperas citadas, no significa que el resto desmerezca nuestra atención.  Comentando siempre en teoría y sin que haya cambios de última hora, la pucciniana «La Fanciulla del West tiene el atractivo de que va a debutar entre nosotros la soprano ucraniana Oksana Dicka. Se trata de una soprano dramática que se ha consolidado en títulos como Tosca, Macbeth o Turandot, lo que equivale a decir que es cantante de una poderosa voz.

Citemos también el interés de presenciar en escena a la pareja española, la soprano Rocío Ignacio y al tenor Jorge de León interpretando una desconocida Jerusalem de G.Verdi, Esta ópera, fue la primera colaboración de Verdi con un teatro no italiano y se basó en la ópera ya presenciada en el pasado mes de Enero, I Lombardi alla prima Crocciata. Sin embargo Verdi rehizo musicalmente  esta Jerusalem al gusto francés, es decir también con ballet como gustaba al aficionado galo.

Con anterioridad, en el mes de Abril, se escuchará la nueva voz de la soprano libano-canadiense llamada Joyce El Khoury, una cantante belcantista que interpretará el Stabat Mater de Rossini, junto al tenor Paolo Fanale que también debuta en Bilbao y los conocidos Marianna Pizzolato (Mezzo) y el Bajo-Baritono Simçaon Orfila, a quien acabamos de escuchar cantar el rol de Assur en la Semiramide del mes pasado de Febrero.

Crucemos los dedos y esperemos que no haya demasiadas complicaciones a modo de cambios y sustituciones para que podamos presenciar una temporada meditada y deseada.

La Voix Humaine. Opera de Francis  Poulenc. Solista : Paula Mendoza (S); Dirección de Escena:Marta Eguilior, Dirección Musical yPiano : Carlos Calvo. Bilbao.Teatro Ariaga 4-III-19.

La obra La Voix Humaine de Poulenc tiene la forma de un monólogo, con largos pasajes de recitados cantados que requieren del talento de actriz de la intérprete más que de su voz. Es una especie de tragedia lírica, que Francis Poulenc compuso con Jean Cocteau, como autor del libreto.Naturalmente escenificar musicalmente el soliloquio de su amigo  en el que el teléfono se convierte en el protagonista de un drama sentimental, constituyó un acontecimiento extraño. Era necesario mantener el interés del monólogo de una mujer abandonada por su amante. Conocemos que también Arnold Schönberg había intentado un experimento similar con su  Erwartung, otro monólogo de una mujer en busca de su amante. Desde ese punto teatral, el trabajo realizado por Paula Mendoza resultó sobresaliente. Su concentración en el rol, sus desinhibidos movimientos, sus llantos y sollozos completaron un papel complicado y cargado de responsabilidad escénica. En este sentido intervino la dirección escénica de Marta Eguilior, quien plasmó la desesperación amorosa alrededor de una cabina telefónica, poniendo de relieve una atractiva sensualidad de la actriz-cantante. Nos pareció que el piano, único instrumento acompañante, no fue suficiente para completar la intensidad dramática del canto. Además según dijo el compositor  » la obra debe estar inmersa en la máxima sensualidad orquestal”. De ahí que el éxito de la representación se basara en la dicción y el compromiso emocional de la cantante-actriz y la labor del pianista Carlos Calvo no resaltara tanto a pesar de su limpia digitación al teclado.

Recital de Canto. Solistas: Francisco Corujo (T); y Ruth Terán (S); Ruben Fernández Aguirre (Piano). Obras se Sebastián Iradier. Teatro Arriaga 19-II-19

Sebastián Iradier fue un compositor alavés que tenía fama de  vividor, un aventurero preocupado por la elegancia, pues no en vano le llamaban “el dandi vasco”. A veces se le conoce también con el nombre de Yradier. En el primer tercio del siglo XIX fue muy  conocido  por sus habaneras y especialmente por la titulada La Paloma, compuesta  tras visitar Cuba. Ésta se hizo muy popular en España y en América, y se puede decir que supuso una caudalosa fuente de popularidad  ya que la canción en forma de habanera en esa época alcanzó gran fama. Gracias al rescate y selección de las canciones por parte de  Rubén Fernández Aguirre y la colaboración de lujo de los solistas vocales  el tenor Francisco Corujo y la soprano Ruth Terán, tuvimos la oportunidad de conocer por primera vez algunas de las bellas canciones del músico alavés. Decimos que fue un lujo, porque  pudimos disfrutar de la calidez vocal del tenor canario, de la delicadeza de su media voz y de su exquisito gusto y claridad en el fraseo. Escuchamos muy atentos la famosa pieza El Arreglito, una habanera en la que se basó Bizet para su ópera Carmen, creyendo que era de autor anónimo.  Alternando con él, la soprano Ruth Terán nos enseñó una voz potente de soprano lírica, sin escollos en el ascenso a las notas altas que alcanzaba con suma facilidad con su voz homogénea y cristalina. Hubo lugar para que  ambos en unión, nos depararan dos magníficos dúos, sobre todo la interpretación comedida y sentida de la ya aludida  La Paloma a dúo. El maestro Fernández Aguirre acompañó al teclado con la intensidad que él siempre imprime y seguro que orgulloso de mostrar algunas canciones de Iradier por vez primera.

Semiramide de G.Rossini. Reparto: Silvia dalla Benetta (S); Daniella Barcellona (M); Simón Orfila (Ba-Bar); José Luis Sola (T); Richard Wiegold (B); Itziar de Unda (S); Joseo Fadó (T); David Sánchez (B). Coro de la Opera de Bilbao. Orquesta Sinfónica de Bilbao. Dirección de escena Marina Bianchi. Dirección musical: Alessandro Vitiello. Palacio Euskalduna. 16-II-19

Semiramide, sin duda, es una hermosa ópera de puro bel canto y además la más extensa de Rossini junto  con Tancredi. Parte de la dificultad que tiene esta ópera para su representación es conseguir al menos dos solistas femeninas que logren salir invictas del arduo trabajo de coloratua.  De un lado, la soprano,  con la complicada aria “Bel raggio lusingghier”  y a su vez la mezzo, con “Ah quel giorno ognor rammento” y la titulada “Si Vendetta” del segundo acto con sus respectivas cabalettas. Así mismo, debemos citar los dos bellísimos dúos, sobre todo el segundo “Giorno d´orrore e di contento” que cantan Arsace (la mezzo) y Semíramis ( la soprano)  que nos indica con claridad la fuente en la que se basó Bellini para su ópera Norma con su famoso dúo “Mira o Norma”.

Ambas artistas cumplieron con creces. La soprano, a la que recordábamos con agrado de su  comparecencia en Il Corsaro de Verdi en la temporada del 2010, se mantuvo firme y poderosa vocalmente en todo momento. Silvia dalla Benetta cantó con agilidad, sin evitar trinos, escalas y otros adornos a su poderosa voz. Sus ataques a las notas altas siempre gozaron de la afinación  y  su canto en general, resultó de una absoluta seguridad. A decir verdad, diríamos que no echamos de menos, ni mucho menos,  a la norteamericana  Angela Meade, la prevista en principio para interpretar este papel.

En cuanto a la mezzo triestina y ya casi bilbaína, Daniella Barcellona, diremos sin pestañear que no habrá otras dos mezzosopranos que encarnen con tanta verosimilitud un rol como el de Arsace. Tanto por su caracterización como por  sus ademanes acordes a su papel varonil,  como por la coloratura vocal, la mezzo cuajó una actuación soberbia. No podemos añadir ni restar nada a su Arsace, sino alabar su entrega canora  y su trabajo escénico.

En el lado masculino al citar en primer lugar al bajo-barítono Simón Orfila estamos inmediatamente obligados a acudir a su escena de la locura, una página en la que Orfila derrochó entrega y voz. Es un cantante acostumbrado a enseñar su voz con plenitud. Por ello, apenas acudió a la media voz y cantó con mucho volumen y de forma enfática. De  ahí que también resultara un Assur  idóneo,  pues ha de representar a un personaje malvado y vengativo y su oscura voz se ajusta perfectamente  a ello. Llevó a cabo una gran escena, dominándola  vocalmente y con gran energía.

En cuanto al tenor José Luis Sola, fue éste quien  cerró el cuarteto solista principal interpretando a Idreno.   Sin ser  específicamente un tenor de coloratura al tenor navarro se le conoce por la elegancia de su línea de canto, por su claro fraseo, por la afinación en el canto y por la facilidad en el registro agudo. La muestra de su arte la expresó en su primer aria cantada con gran belleza y luego en el dúo con Semíramis  “Quai mesto gemito”. Nos sorprendió  algún pequeño desajuste en un Re sobreagudo en la segunda parte del aria “La Speranzza piú soave”.  Una anécdota que estamos seguros corregirá en otras funciones.

Participó en el éxito de la representación la soprano Itziar de Unda encarnando a Azema con voz clara y desinhibición escénica, por encima en mérito del bajo Richard Wiegold  que fue un Oroe de voz cansada. El maestro Alessandro Vitiello condujo el entramado musical con refinamiento y minuciosidad. Delante le apostaron en el foso no solo a la Sinfónica de Bilbao, sino también al coro de la Opera de Bilbao y en ese agobiante reducto, el coro que posee un papel dominante y es protagonista de la fuerza dramática de la ópera, hasta llegó a cantar bien y se le escuchó debidamente. Una gran prueba para la Sinfónica bilbaína poniéndole obstáculos en el camino y otra prueba más dura para un coro invisible y sin movimiento. La vedad es que la producción de esta Semiramide de subsuelo, con figurantes que surgen de criptas o agujeros del submundo, de módulos horizontales impidiendo un libre movimiento escénico,  fue tan zombi que ya no sabemos a qué atenernos.

I Lombardi alla Prima Crociata de G.Verdi. Reparto: Ekaterina Metlova (S); Roberto Tagliavini (B); José Bros (T); Sergio Escobar (T);  Jessica Stavros (S); Rubén Amoretti (B); David Sanchez (B); Josep Fadó (T); Coro de la Opera de Bilbao. Dirección de Escena: Grazia Pulverenti. Dirección Musical: Riccardo Frizza. Palacio Euskalduna.Bilbao 19-I-19

I Lombardi alla Prima Crociata es un genuino producto del primer Verdi que está plagado de multitud de números cerrados como son las arias, los dúos y  concertantes de emotiva factura.  Podríamos decir que es una de las óperas  poco conocidas del compositor, que sin embargo sorprenden al que la presencia por primera vez y escucha sus más célebres páginas, como la bella cavatina del segundo acto de Oronte “La mia letizia infondere”,  la oración de Giselda  “A te, Vergin Santa” el conmovedor trío que cierra el acto III  “Qual voluttà trascorrere”, y al final de obra el patriótico coro “O Signore dal tetto natío” que recuerda  al famoso «Va, Pensiero» de Nabucco. Ahora bien, en el desarrollo dramático de su partitura, resulta primordial el rico y variado marco coral que atesora y de ahí que el coro sea un elemento que Verdi  trata de excelente y grandiosa forma. El Coro de la ópera de Bilbao, nos regaló una actuación muy completa tanto en los hermosos pasajes estando al completo, como estando distribuido en secciones. Siempre hemos dicho que el conjunto bilbaíno está cómodo con los coros verdianos y esa comodidad se reflejó en la armonía general, en su empaste y consiguiente bello color. Apacible y delicado en el spianato y vibrante y brillante en lo heroico, se erigió en el primer y gran baluarte de la interpretación.

En cuanto a los solistas, desgraciadamente, la afección de garganta que padecía el tenor José Bros, hizo que la famosa cavatina “La Mia Letizia Infondere” naturalmente quedara desdibujada y a continuación tuvo que marcar más que cantar, aunque hizo algún que otro esfuerzo en proyectar la voz  en el pasaje de su muerte y al final de ópera. Una lástima no haber escuchado como era de esperar con este artista catalán esa primera manifestación amorosa que compuso Verdi.

Por su parte, digamos con respecto a la soprano, que el rol de Giselda es uno de los más complicados que pueda haber en la ópera en general. No sólo por la incómoda tesitura en la que se mueve la voz,  sino también por la resistencia que se requiere al aparecer continuamente en escena.  El color de voz de la rusa, no es que satisfaga a todos, ni tampoco la musicalidad de su canto a menudo altisonante, pero es justo reconocer su labor en un papel muy complicado de llevar a buen puerto. Es justo así mismo aplaudir su valentía y generosidad en el esfuerzo.

Por otro lado, en esta ópera Verdi aún no pensaba en la cuerda baritonal a la que tanto acudiría más tarde. Por eso el bajo Roberto Tagliavini, encarnó  el importante papel de hermano. El bajo italiano, como Pagano parricida y como arrepentido Eremita, aplaudido ya en Bilbao en ocasiones anteriores, cantó con poderío, enseñando una amplia voz aunque le faltara cierto brillo y cuerpo al acometer notas altas. De todos modos fue otro buen pilar en el que se basó  la representación gracias también a su buena presencia y dominio escénico.

Añadamos finalmente que nos agradó mucho la intervención del tenor Sergio Escobar, a quien seguiremos de cerca, porque cantó con una voz de lírico grande, muy cerca del color de un tenor spinto y estas voces no abundan.

Excelente la batuta del maestro Riccardo Frizza al frente de la magnífica orquesta de Euskadi y excelente también el solo de violin del concertino al empezar el cuarto acto. En su atemporalidad la producción reflejó el horror de las matanzas en diferentes épocas y pueblos, se nos presentó de manera sencilla y explicativa, a base de fotogramas y una luminotecnia acorde al drama, así como también un cuidado vestuario.

Recital de Canto, Solistas: Magdalena Kozena (Mezz0) y Mitsuko Uchida (Piano). Obras de R. Schumann, Hugo Wolf, A, Dvorak y A.Schoenbrg. Sala de la Filarmónica. Bilbao 15-I-19-

Volvió a lucir la sala bilbaína una de esas veladas de canto que complacen  y se recuerdan. Magdalena Kozena compareció con un programa a base de lieder con un común denominador en gran parte de ellas, el maravilloso fiato que exhibió. Tanto los lieder de Schumann en los que se narra a la joven Maria Estuardo añorando su tierra adoptiva, Francia, como preocupada por su legado o temerosa de su muerte, requerían una gran programación respiratoria, además una voz poderosa, sin afecciones y un absoluto control en la intensidad. Eligió unos lieder con evidente alta tesitura, muy bien seleccionados porque la cantante checa es una mezzo lírica, con un color de timbre cercano a una soprano. Este tipo de voces a caballo entre mezzo lírica y soprano dramática en un tiempo se les conocía cono sopranos Falcon. Magdalena Kozena apenas se movía junto al piano y su impactante figura dominó el canto y la presencia escénica durante dos horas  con apenas veinte minutos de descanso. De los más de cincuenta lieder de Hugo Wolf, cantó once cuyas notas finales las sostenía de manera interminable. En la segunda parte y cantando en su propio idioma, el checo, la mezzo imprimió la exacta dosis de belleza y a su generosidad canora, añadió una gran ternura. Las Canciones de Cabaret de Schoenberg,  resultaron tonales, sencillas y musicales, con la sorpresa de comprobar que eran diferentes a aquellas obras que le hicieron famoso y las cuales pertenecían a uno de sus primeros trabajos remunerados en un cabaret. Como ocurre con los grandes artistas que necesitan a otro grande al lado, sentada al piano figuró la excelente acompañante Mitsuko Uchida, siempre atenta con su seria mirada a las tácitas órdenes de la intérprete en pos de lograr la conjunción  y perfecta simbiosis, en pos de esa tan complicada armonía. Vivimos una excelente velada gracias al despliegue de poderío vocal, fraseo muy expresivo  y arte, de la mezzo Kozena y a ese buen hacer y elegancia digital en el teclado de la japonesa- británica Mitsuko Uchida.

“Katiuska” de P.Sorozábal. Reparto: Ana Otxoa (S); Jesús Lumbreras (BAR); Alberto Nuñez (T); Adhara Martinez (S); Josu Camara (B); Andoni Barañano (T); Alicia Manceras (S); Iñaki Llamas (actor); Paco Miranda (Actor).Masa Coral del Ensanche y Orquesta Labayru, Dirección Musical: Iñaki Urkizi. Teatro Campos.Bilbao 15-XII-18.

A veces, muy pocas, hay medios técnicos que ayudan a una mejor interpretación en cualquier rama del arte. En el canto, como en el caso de esta Katiuska ocurre que la orquesta suena más redonda, no hay desajustes que se noten y el coro resulta homogéneo y conjuntado y suele dar la impresión de contener un mayor número de miembros que los que lo forman. La ayuda en el volumen en estos casos, influye también en que el parlato o recitado se aprecie mejor y sea más audible, con lo que esa ayuda suele ser beneficiosa para el público. Por el contrario, no estamos de acuerdo cuando se trata de las voces solistas porque se desnaturaliza su color natural y entonces no cabe el juicio cualitativo. Al barítono Jesús Lumbreras no le hace falta apoyo técnico, porque le suena la voz. Otra cosa es que a veces su línea de canto no sea tan regular. En este ámbito correspondiente al volumen vocal, tampoco la soprano Ana Otxoa necesita apoyo técnico y además fue la que en esta ocasión  con más gusto y dulzura lineal cantó. Dulzura que compartió con el tenor Albreto Nuñez, de canto siempre afinado y elegante. Tanto Josu Cámara en su doble papel de actor y regidor,como Adhara Martinez, Andoni Barañano, Alicia Manceras o Paco Miranda cumplieron con sus cometidos, si bien en alguno la duda se apoderó de la letra a interpretar.